“中国画的诗情画意”是中国画发展的必由之路！

顾绍骅

为什么说：“中国画的诗情画意”是中国画发展的必由之路！

---------------国家名片中的”顾绍骅的诗情画意”

【现实背景】当前，无论是中国画展览，艺术市场上，还是书画课堂等等，能够见到的中国画，基本是没有题画诗的“白板”。当下不少画家以西方绘画作为中国画创作的参照，以此倡导所谓融合中西绘画以加强“视觉冲击”和写实效果。其结果造成了中国画的发展不但失去了中国文化的民族性，也一度出现了极其萧条的现象，在这种外来文化意识决定下会将中国画引入末路；因此，顾绍骅自95年备课时，就思考中国画必须从博大精深的中华传统文化中，寻找中国画的发展出路；我们不能舍本求末，尤其是当前中国处在国际文化交流日益频繁和实现中华民族之伟大复兴的情况下，更应该加强民族文化观念，“诗情画意”应该是中国画艺术发展的大趋势。

世界上任何一种艺术，无不是文化的产物。首先是文化、思想（文学），然后才是艺术（技艺）。中国画的本质是借景抒情、托物言志；是中国人文情思里最为深重的沉淀。中国画的文化蕴藉又远在绘画之外，实际上，是一部中国思想史，是朴素的中国古典“宇宙观”的最佳窥探视角。潘天寿曾写诗评价明代上虞书法家倪鸦宝说：“上奥诗亦虎，画以诗为主”，他认为，“画”在本质上也是“诗”，画家本质上应是诗人。在中国古代，读书和为官（书画家）是同步的、一体的，互起作用，所谓为官学养论就是这个道理，经历过寒窗苦读，学习过四书五经、经史子集等，有着较深的文化素质和综合修养。当代国人，由于快节奏、注重经济建设的发展；文化修养比古人差，没有文化是二十世纪的书画家，因为传统文化意味着“落后”。文化自信，是一个国家、一个民族、一个政党对自身文化主体性的确认、对自身文化价值和所具有的文化优势的充分肯定，以及对自身文化生命力和文化创造力的坚定信念。

中国画是中国人文情思里最为深重的沉淀。中国画的历史是同书法、诗文同辙的历史。中国画中的题跋集诗文、书法篆刻于绘画一身，使其成为世界美术史上的独特，增强了中国画的抽象韵味和丰富内涵，平衡出了文学性与绘画艺术性巧妙结合的审美特征和艺术价值。是朴素的中国古典“宇宙观”的最佳窥探视角。本质上，中国绘画富于“形而上”的意味，中国画的本质是借景抒情、托物言志；中国画的根本在于“造境”（创造诗情画意的意境，以表达托物言志、借物抒情的思想主体）而并不重形（造型）；从中国美术发展史看：一、顾恺之 《女史箴图》箴文，卷末的 “顾恺之”名款，梁元帝 萧绎《职贡图》为例：“楷书榜题，疏注国名及其山川、风俗、历史及历代交往情况、纳贡物品等”从此开创书法与绘画一体“中国画题跋”的样式。二、唐代时期的绘画成就，超过了以前各代，影响到当时的东方各国，成为中国绘画史上的一个高峰。2、王维开创诗与画的结合——“中国画的诗情画意”的萌芽；苏轼曾经评价：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”。三、宋徽宗赵佶在书法、绘画、诗词等方面的艺术成就却是不可否认的，有“书画皇帝”和“丹青皇帝”的称号。他创立了“中国画的诗情画意”标准形式——集诗书画于一体，奠定了中国画审美评判标准的基础，自此成为了中国文人永恒的精神追求；“诗情画意”是宋代书画人的必备修养--------    宋以后，历代画家都以诗情画意为贵！如：“奉诗情画意至上的“吴兴八俊”与“以诗情画意为本的“元四家”等等，明代唐寅等“江南四才子”、徐渭等，清代的绘画艺术，继续着元、明以来的趋势，文人画日益占据画坛主流，山水画的创作以及水墨写意画盛行；出现了以扬州八怪为代表的文人画派----------。

  

顾绍骅

没有知识积累怎么能读得懂呢？惠崇为宋初“九诗僧”之一，跟苏轼不是一个时代的人。苏轼是只见其画，未见其人。此僧诗画俱佳，尤其擅长画水乡，再放上几只飞禽走兽，人称“惠崇小景”。惠崇的《春江晓景图》没有流传下来，不过从苏轼的诗中我们可以想个大概：一片竹林，三两枝桃花，一条江，几只鸭子，河岸上满是蒌蒿，芦芽刚刚破土，天上还有两两归鸿。河豚是看不到的，是苏轼在想：河豚该上来了，用蒌蒿和芦芽一炖，比东坡肉鲜多了。文同作诗赞美竹：“心虚异众草，节劲逾凡木”。他命其住舍为“墨君堂”，在四周广栽竹林，他观竹，赏竹，画竹，提出了“画竹必先得成竹于胸中”的见解。他曾指点苏东坡：“画竹必先得成竹在胸，执笔熟视，乃见其所欲画者，急起从之，振笔直遂，以追其所见，如兔起鹘落，少纵则逝矣。”然而他的画竹，不只是画竹之状，更是寄情于竹，借竹之荣、枯、丰、瘠，抒写人的悲、欢、穷、达。徐渭在《葡萄》上的题诗：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风，笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”如果抛开这首诗，只是—串葡萄而已，还有何意义。八大山人朱耷，系明皇室王孙，明灭亡后，国毁家亡，心情悲愤，落发为僧。他画两只丑陋的孔雀，蹲在一块尖而不稳的石头上，孔雀的尾巴上有三根难看的翎毛。题诗云：“孔雀名花两竹屏，竹梢强半墨生成。如何了得论三耳，恰是逢春坐二更”。讥讽对主子奉承拍马的官员，本该五更上朝，二更就去了。“三耳”，指的就是这些奴才。画中的孔雀尾巴长了三根翎毛，指帽子后面戴着三根“花翎”的高官。那块不稳的石头，暗喻清朝的江山并不牢固。 题画诗，还可以使画家爱、憎、悲、愁、褒、贬、扬、弃等多种情感更加强烈地倾注于画面。王国维在《人间词话》中指出，“境非独谓景物也。喜怒哀乐，亦人心中之一境界。故能写真景物，真感情者，谓之有境界。否则谓之无境界。”中国画并非历史图片、写真照片；倘若离开中华传统文化底蕴？就无从说起“中国画”，充其量只能算是漂亮的废纸。

鲁迅先生说过：只有民族的，才是世界的。中国传统文化是中华民族精神财富的总和，是历代先民智慧的结晶，是现实中国的精神母体，是中国历史积淀的灵魂，它孕育并影响着我们民族的未来。中国的传统文化博大精深，是承载中华民族精神和感情的载体，是维系国家统一、民族团结的基础，因此在保护和传承传统文化上意义深远。傅抱石说︰“中国绘画是中国民族精神的最大表白，也是中国哲学思想最亲切的某种样式”。钱文忠教授的观点：国学=国运，摈弃了传统，中国画就不复存在。在中华民族伟大复兴的今天，我赞同郭继承教授的观点：“我们弘扬中国文化其实是在维护我们这个民族精神的独立性，一个民族被殖民，其实最根本的殖民是精神上和心灵上做了奴才，一个人在灵魂深处已经把自己当做奴才，跪在别人那里，去仰视别人，这是永远也无法站立起来的；所以文化特别重要，他是培养我们这个民族精神独立性的大问题！实际上不仅是为天地立心，也是为中华民族立心；所以要弘扬国粹、弘扬中华优秀传统文化！”齐白石主张艺术“妙在似与不似之间”，程十发指出：作画追求和真的一样，那不是艺术家而是科学家！

自从1918年5月14日徐悲鸿《中国画改良论》主张改变了中国画近百年来，是以西方绘画的评价标准来评判的；徐悲鸿将中国画带入“至暗时刻”（可能不是徐悲鸿的“初心”吧），违背中国画的本质，本性！如果一个民族的文化都需要“东施效颦”的话，这个民族还有希望吗？请记住：民族文化的发展，主要在于自身；外来文化，只能是参考借鉴；如果“本末倒置”？便丧失其存在的价值！

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看中国画，如何看虚与实。有人说中国画不科学，留那么多的空，那么多的虚，看人家西洋油画画得多么厚实。事实上这恰恰就是中国画的妙处所在——中国画就是用虚不用实。并不是说不能写实，唐宋画就把“写实主义”搞得很好。非不能也，实不为也。中国人的思想受道家影响深远，不愿心为物役，追求境由心造的平衡心态。唐司空图《诗品·雄浑》所说“返虚入浑（指诗作空灵，入于浑然之境。）”，意即返虚方能入浑。这个“浑（“全部、满是”之意也）”，而是更高级的无所不包极端复杂之浑。“实”就在眼前一览无余，最大也是有边际的，最满也是有限度的。只有返虚入浑，方能无边际，其大无外，其小无内。如李煜词句：“问君能有几多愁？恰是一江春水向东流。”他不实答，却一下使你面对滔滔东流的大江。如果只是一实，还能有那样丰富的含义，那样阔大的境界吗？诗情画意是时空的融合，因此，“没有最好，只有更好”令欣赏者没有统一“标准”，并且，在创作与欣赏中需要有一定的中国传统文化素养。虽然，少了西画那样的“清晰、一览无余”却存有东方审美特有的含蓄、朦胧，甚至有些模糊、迷离……；这也有了“神秘感”，增强了“想象空间”，犹如：“隔纱观美景、月下看美人——越看越喜欢”，在理解“诗情”后，更能了解“其中味”；这是西方绘画所望尘莫及的。不是文人大约画不好中国画，因为没法通达笔墨的精神内蕴。没有文化而成为中国画家，是20世纪才有的事。为什么呢?审美标准发生了变化。宋以来，诗画一律的观点成为主流。苏东坡称王维：“诗中有画，画中有诗”。诗，不直白，以比兴手法抒心志创设境界，这需要丰厚的文化积淀。像清代以来王鹏运、朱孝藏、陈寅恪诸人的诗，没有知识积累怎么能读得懂呢？

顾绍骅

中国画是中华优秀传统文化的载体，即：传统文化的厚积薄发。因此，品评中国画需要从以下三个方面去品味，而不是看西方绘画那样的“一览无余”；一、从中华优秀传统文化上去品味“中华文化精髓——诗词歌赋”；二、从中国书法艺术上去品味字体的美、线的美、力的美、以及表现个性精的美。三、中国画的本质——“借景抒情、托物言志”，是借物象以寄予作者思维、情感的艺术，是“物我合一”的艺术体现。

“顾绍骅的诗情画意”的特点：

1、中国画的特性：托物言志，借物抒怀；这一特性有别于众多美术品。“顾绍骅的诗情画意”做到了“一诗一画、一画一境界”；这样富含中华传统文化（诗、书、画）于一体，使得“顾绍骅的诗情画意”作品富含中华优秀传统文化底蕴；

２、艺术品理应“有故事”（与影视剧一样有教化功能：劝人向善、爱国向上等）；一件艺术品需要彰显独特的艺术个性，具有时代精神，催人向上或积极进取；不是简单地“对客观事物的描摹中”，否则，艺术品的价值等同于“数码照片”（甚至于没有数码照片的“清晰度”）。——顾绍骅的艺术感悟    （陈逸飞没有什么收藏价值）

3、艺术应该由“循规蹈矩”——学习、继承，到“无中生有”——创作、创新；且，创作、创新是在学习、继承的基础之上得到的。“顾绍骅的诗情画意”作品，正是在学习、继承的基础之上的作品。

A、没有文化特色——中华传统文化底蕴的“中国画”（只有技法，没有思想），只配称为工艺品，而不能称为艺术品；这也是艺术家与画匠的区别所在。B、唐代书法家李邕说过：“学我者病，似我者死。”艺术贵有自己的风格，完全亦步亦趋地学人家是没有出息的。正如现在的绝大多数书画作品,"千人一面",看似漂亮外貌,实则废纸一张。（陆俨少:何为好画的标准？）

4、“诗情画意”是根植在中国人“骨子”里面的文化情结。中华传统文化底蕴中是很注重“德行”的，如：“厚德载物”、“厚德载福”“德才兼备”、“德高望重”、“德厚流光”等等；因此，“顺利”与“德行”是分不开的，“德行”越高的人，他就越顺利。我把这些最能反映中华传统文化精髓——经典的诗（词）句，融入我的作品里；这是因为我的理念是，作为中国画家应该是具备有“书、画、诗、文”的基本功。只是因为中国画是能反映中国传统文化的“综艺体”。

真正的书画在技法之外，是一种可以用文化的高度来衡量的艺术。鉴于” 艺术教育最大的错误是，竟然还在用上世纪50年代的考核标准！”（“西方绘画的理论、西方绘画的教学、西方绘画的评价来造就'中国画’”岂不是“笑话”？《中国画评价标准不应该受制于人！》《中国画评价标准不应该受制于人！ 续二》

）“顾绍骅的诗情画意”推荐：文化与技法“同修共研”才是正道！

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附：国家名片中的”顾绍骅的诗情画意”1 庆祝中国共产党成立100周年 百年中国 名家名作顾绍骅

顾绍骅

2 共和国记忆 实现中华民族伟大复兴 中国书画艺术名家 顾绍骅

3 《伟大历程、中华复兴——庆祝中华人民共和国成立70周年》顾绍骅

顾绍骅

4“顾绍骅的诗情画意”入选《启航新时代》

5 顾绍骅入选喜迎十九大《不忘初心 继续前进》限量版珍藏邮册

1 顾绍骅入选喜迎十九大《不忘初心 继续前进》限量版珍藏邮册 外包装一

2 顾绍骅入选喜迎十九大《不忘初心 继续前进》限量版珍藏邮册 外包装二

   

6 “顾绍骅的诗情画意”入选《时代先锋》

顾绍骅

7 庆祝建国65周年征用顾绍骅老师作品

8 世界杰出华人艺术家邮票纪念珍藏册·顾绍骅封面

顾绍骅于二〇二一年五月十八日星期二​

顾绍骅

艺术需打破认知围墙  中西绘画名作比较

--------------中国画急需把握话语权

【中国画最大特点是思想性，人格艺术，养心，是中华优秀传统文化的厚积薄发！并且，历史悠久在世界艺术之林里”鹤立鸡群”！西方绘画的最大特点就是技术性，人性艺术，养眼”描摹或还原再现客观事物的场景”，包括人物、事件，物体等等；一切具有”照相机功能”的二维空间，仅此而已。近百年来，因为民族文化自卑（文化诛心），加之徐悲鸿“中国画改良论”、中西合璧等等------，目前“中国画”缺失传统文化，已经不能成为（称为）真正意义上的中国画啦！现在的“中国画”是缺诗、少书法，没文化、没思想的空壳——沦为“以术求术、”、崇洋媚外，传统文化被肢解，被冠以“水墨、彩墨”西洋画之傀儡、怪胎。当前，国家需要中华民族伟大复兴，就是要恢复一直领先于世界的中华优秀传统文化、思想！钱文忠教授的观点：国学=国运，摈弃了传统，中国画就不复存在。而诗书画一体才是中国画的特征！传统中国画审美，即：“宋画惟理”，极简、不炫技，平淡自然、孤高拔俗却表现精湛，形成了影响至今的雅致风尚。本应是东西方并行的两大画派——西方的油画、东方的中国画并驾齐驱；但如今的结果是：一个是“营养过剩”（油画），而另一个是严重的“营养缺乏”-------；民族文化自信，我们首先要恢复“中国画的诗情画意”、夺回我们民族的“话语权”。“中国画的诗情画意”就是给人精神启迪的“故事”，而不是“看图识字”。在弘扬民族文化这个事上，我们都应该做铮铮铁骨的好汉，不能卑躬屈膝！生存世界上，得有思想，负责任，要无愧于这个时代，没有文化是不行的！

艺术的表达一方面一定会受到社会、文化、宗教等等人文因素变革的影响，艺术随着社会变革，随着时间推移发生的变革，是进步，还是在不同社会环境下的变化？为了系统的、详细介绍、说明问题，请听娓娓道来------

全球化也让我们看到，参与的国家越来越多。现在很多不发达国家成为热点，比如东南亚艺术市场也非常热，非洲的艺术、拉美的艺术、亚洲的艺术，逐渐成为市场热点，而不再是过去的欧洲的一些主流国家和美国的一些主流艺术家。我们的高雅文化高雅不起来，只能很低俗了，受众群体还需要慢慢培养。“先知先觉”与“不知不觉”相隔十万八千里！为了中华民族而发声，是我一辈子从事美术教育的教育工作者义不容辞之责任！

中国画的特点：中国画在其漫长的发展进程中,形成了对意与境、形与神、感性与理性等关系的独特的美学理论，尤其是在表现形式上，将绘画、书法、诗词、篆刻等进行有机结合，形成了中国画独特的形式美感，成为具有丰富的中华传统文化底蕴的艺术形式；诗、书、画、印结合，是中国画在发展过程中逐渐形成的，是中国画中华优秀传统文化的厚积薄发！

中国画历史悠久。中国山水画较之西方风景画，起码早了1000余年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。早在7000多年以前，先古的觉醒便以图案方式纪录下来。新石器的河姆渡文化，已用线刻表达着观念性文化的内涵，定居的农耕文明起源，不仅让人认知了工具美，亦让人于器之上认知了形上美。艺术不但是一种征服自然的想象，还是一种征服自然想象的象征。先古与自然一开始便用艺术的方式对活，逻辑的发现与艺术的鉴赏推演着人们的双眼，让一个天人合一的中国图式由混顿而至清晰。自仰韶文化起，人与自然的关系便具有了象征性。在几何装饰的手法中，对称运动等构成概念己明显地运用于时空的表现之中。特别让人感动的是<稷神祟拜图>。在以农立国的背景上，祭祀稷神一直成风。而这幅图中的禾、田、人的关系传达了先祖对生命意义的一种素朴理解。在沉淀了人与动物、植物的自然关系认知的基础上，社会意识又成为最为关键的文明起源。沧源文化的《村落图》，用岩画形式记述了人类对农耕定居的“家”的理解。这幅画最有视觉趣味的是以村落为中心的道路关联，以及押俘、赶畜、祭天、跳神等场面围绕正面中心的梯度延深，平面中的深度己在这幅画中得到有力的体现。人与自然的关系，人与社会的关系，就这样拌随着艺术的看，不断地深化与发展。

中国传统文化中，历来强调人格的教化作用：中国画启示人养心修身，知世悟道。“见山思仁，见水思智”，醉心于看画人远离势利，离善境更近。孔子美学思想对中国传统绘画的影响很大，第一，孔子首先提出了绘画的社会教化功能，提升了绘画及其从业人员的地位，并在其后世的绘画理论中形成了兴成教化的儒家艺术传统；第二，孔子美学追求形式与内容的统一，对传统人物画的创作产生影响并促进了人物画的发展；第三，孔子美学思想对传统绘画的章法、笔墨、色彩等技法理论有一定的影响。谢赫的《画品》开篇就阐明了绘画的功能：“夫图绘者，莫不明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可鉴。”翻译为：绘画可让人们明白劝戒，可记载历史的沉浮兴衰，千年来那些沉寂的往事都可在图画中见到。唐代张彦远的《历代名画记》“夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功，四时并运。”翻译为： 作画，可以实现教育感化的作用，帮助人们维护人伦纲常，能探究鬼神仙佛变化之道，推究细微玄奥的天命启示，看到事情细微的变化。这跟佛家六经的功能是一样的，随四季而一起循环运行。作画，开始于自然、天然的手法，讲究创新，而不是凭空捏造或者传承别人的东西来进行。充分认识到了绘画在社会发展及其在人的精神领域等方面的积极作用（催人奋发向上），更是对新时代的绘画教化功能发展具有理论和实践指导意义。

具体表现为：一、思想上的厚德载物——教化性；二、形式上的偏文学性——中国画的诗情画意。

一、教化性《左传》有云：“夫乐以安德，义以处之，礼以行之，信以守之，仁以厉之，而后可以殿邦国，同福禄，来远人，所谓乐也。”【翻译为：音乐（文艺）用来巩固德行，用道义对待它，用礼仪推行它，用信用守护它，用仁爱勉励它，然后能用来安定邦国、同享福禄、召来远方的人，这就是所说的快乐。】古代画学家论述绘画的功能，首先是立足于把绘画纳入当代社会政治统治的体系中去，并与儒家所设计的社会理想保持一致， 从而为绘画的生存争取到有力的政治支持和儒学根据。唐代的张彦远在《历代名画记》中载有“成教化，助人伦”，这成为后世论中国画具备教化功能的直接参照。所谓教化功能就是指含有道德、政治、教育的内容，使人潜移默化达事明理的社会功能（而西洋画则毫无关系者也）。从北宋 李公麟 《孝經圖卷》、元代郭居敬《全相二十四孝诗选》、《二十四孝》图，述说中华民族德行天下，以八德：孝、悌、忠、信、礼、义、廉、耻为主题思想；这些故事感受自己民族庞大而厚重的人生智慧，正确理解传统道德的内涵和实质。隐含、隐藏，含而不露，是中华文化的特征。

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二、中国画的诗情画意创意：

相传唐代诗人、画家王维得到客人送的《按乐图》很兴奋，王维说这是画的《霓裳羽衣曲》第三遍的第一段，客人不信，请来乐工演奏那段舞曲，这才信服。因此说：1、图画只能画出一瞬间的演奏活动即“止（只）能画一声”而不是一段舞曲的演奏过程。唐代诗人徐凝在题画诗中这样写道“一水寂寥青霭合，两崖崔萃白云残；画人心到啼猿破，欲作三声出树难”诗的前两句是写画中景,后两句是诗人发出的感叹：画家挖空心思，终究画不出“三声”连续的猿啼，因为他 止（只）能画一声，而凄楚动人的猿三声，是画面上表达不出的，此绘画之弊也……。然诗歌（词、赋）却能做到表现时间 、空间、环境、音 乐、舞蹈等，人世间的喜 、怒 、哀、乐 及万事万物的刻画等——包罗万象 ；也正好弥补绘画之不足。2、工于画“宋四家”之一的苏东坡指出，“论画以形似，见与儿童邻。（绘画如果以画得“形似”而判定好与坏，他的见识与儿童一样）”“常理”的“理”既是画中物象的自然规律，又是文人的画理与画法，更重要的是画外的功夫与修养。“诗画本一律，天工与清新”的意境，成为北宋中后期士大夫品画的标准。

历代中国画的诗情画意作品选介：

中国画历史悠久，1、起源于宗教和巫术的目的，并不是出于审美和欣赏的需要。2、中华先人们对大自然、血与火的崇拜，用赭红色的赤铁矿粉，用动物脂肪稀释调匀产生“中国红”；红色是中华民族最喜爱的颜色，甚至成为中国人的文化图腾和精神皈依。3 以顾恺之 《女史箴图》，梁元帝 萧绎《职贡图》为例：从此开创书法与绘画一体“中国画题跋”的样式。

【大唐盛世，万国来朝（绘画上各国、各民族大交流、大发展中相互借鉴融合）】中国山水画较之西方风景画，起码早了1000余年。它所呈相的图义，实际上是一部中国思想史。唐代时期的绘画成就，超过了以前各代，影响到当时的东方各国，成为中国绘画史上的一个高峰。

4 被后人尊为文人画始祖（“南宗始祖”）的王维,开创“诗与画的结合——中国画的诗情画意”的萌芽。

发展全面：在世界美术领域中自成体系，也是中国画中一大重要画科。人物画的出现，较山水画、花鸟画为早。人物个性刻画得逼真传神，气韵生动，要求形神兼备。造型，主要依靠线条。（具体内容参阅《以古为证 汲取精粹 发展创新 面向未来》）

宋代绘画是中国绘画艺术发展的又一高峰，画家云集、各有特色，可谓是光耀璀璨。两宋时期整个宋朝占世界的GDP的65%，还有80%的说法，是中国历史最富有的朝代，（宋代是“中国的第一次文艺复兴”早于西方绘画“文艺复兴”的十四~十六世纪，大几百年。）  宋朝的文人除了读书、是学者之外，他还可以很悠閒，可以很潇洒，最重要的是他们有一种生活品味。宋代的文人不仅擅长诗词歌赋，还精通绘画、音乐、书法，成就斐然，世所公认。

  宋代是“中国的第一次文艺复兴”“替绘画开启了一种类似寄情寓兴的功能”（《图说中国绘画史》）。法国汉学家谢和耐有言，宋代是“中国的第一次文艺复兴”(《中国社会史》)。历史学家陈寅恪也说，“华夏民族之文化历数千载之演进，造极于天水一朝”(《邓广铭〈宋史职官志考证〉序》)。2000年，美国《生活》杂志评选“第二千年百大人物”，宋代有两人入选：朱熹排第45位（思想在先：1、“读书之法，在循序而渐进，熟读而精思  2、百学须先立志。3、青玉案雪消春水东风猛。帘半卷、犹嫌冷。怪是春来常不醒。杨柳堤边，杏花村里，醉了重相请。而今白发羞垂领。静里时将旧游省。记得孤山山畔景。一湾流水，半痕新月，画作梅花影  4、胜日寻芳泗水滨，无边光景一时新。等闲识得东风面，万紫千红总是春。——朱熹文摘”），范宽排第59位（形质在后）。很难说宋代画家画的是亲眼所见还是脑中所想，他们不再像前朝画家那样费力描写一棵树或一块石，而是将笔墨用在表现一种统一又真实的境界上。关于这种画法，范宽的领悟是：“吾与其师于物者，未若师诸心。”（《宣和画谱》）吴作人：“在人生观方面，在思想境界上应当"无我"，而在艺术表现上，在艺术境界上，要"有我"。我们谈艺术中"有我"，不是象西方现代派那样，连现实都没有了，连造化都没有了。我们所说的"有我’不是脱离现实，不是脱离群众。我们要拿自己的感受通过自己的艺术创造，也能使别人有所感受。“中国画向来重气韵、重意境、重格调，同中国的诗一样，靠的是胸襟、学问、修养。如果读者看了一幅画，读了一首诗，亦能在胸襟、学养上有所提高和收获，这就起了很好的作用。好的画，好的诗，可以使人 超脱名利欲望的束缚。---------潘天寿”。艺术史研究者石守谦感慨“一代代年轻人离中国的传统越来越远”。

宋朝文人的品行和喜好，造就中国文化的顶峰之态，也为中国的美学贡献多多。宋徽宗赵佶在书法、绘画、诗词等方面的艺术成就却是不可否认的，有“书画皇帝”和“丹青皇帝”的称号。创立了“中国画的诗情画意”标准形式——集诗书画于一体（这样的形式犹如“声光电+SanDisk效果”的电影，其艺术效果好；若是缺少题画诗，就像是：哑巴吃黄连，有苦难言；或，“便有千种风情，更与何人说？”一样难以表达作品中的思想、情怀！），自此成为了中国文人永恒的精神追求。画家黄宾虹自题山水道：“北宋画多浓墨，如行夜山，以沉着浑厚为宗，不事纤巧，自成大家。”艺术史学家高居翰在《图说中国绘画史》一书中赞叹宋画之美：“在他们的作品中，自然与艺术取得了完美的平衡。他们使用奇异的技巧，以达到恰当的绘画效果，但是他们从不纯以奇技感人；一种古典的自制力掌握了整个表现，不容流于滥情。艺术家好像生平第一次接触到了自然，以惊叹而敬畏的心情来回应自然。他们视界之清新，了解之深厚，是后世无可比拟的。”“纸寿千年”，今天就连宋画因为年代久远而纸绢发黄的样子，也成为一种美学样式。如果有谁把照片拍出昏黄的韵味，宋画作为一种美学基因，已植入中国人的文化传统。艺术史学家高居翰认为：“在整个中国绘画传统中，最独特最辉煌的成就正是山水画。”而宋代艺术最突出的成就，就是“外师造化，中得心源”（郭熙《林泉高致》）的山水画。北宋中后期文人画兴起，苏轼、文同、黄庭坚、李公麟、米芾以王维和顾恺之为先驱，即兴创作，追求得意忘形的境界。他们技巧自在，精神复古，也是从他们开始，“替绘画开启了一种类似寄情寓兴的功能”（《图说中国绘画史》）。南宋的画家，一部分仍沿袭北宋大师的创作路径，以细腻的皴法表现壮阔的山川形势；另一部分转向偏角山水，以局部代全景，李唐、刘松年、马远、夏圭是其中的代表人物。梅兰竹菊确立在文人画题材中的地位，也是在南宋完成的。